‘Ghostly Labor’ @ ‘Latinidades’ Int’l Theatre Festival (Cara Mia / La Mezcla)

Photos courtesy of La Mezcla

—Teresa Marrero

Dallas´ Cara Mía Theatre Company kicked off its 5th Annual Latinidades International Theatre Festival with the dance-film-theatrical tour de force Ghost Labor, by La Mezcla, an ensemble predominantly of women based in the San Francisco Bay area. We saw this company in Cara Mïa´s 3rd festival in 2022 with Pachuquismo (see our review https://www.onstagentx.com/reviews/pachuquismo-cara-mia-theatres-latinidades-festival?rq=Pachuquismo ).

If, at that time, I wrote about the challenges of reviewing a mostly non-verbal theater-dance piece with multiple aesthetics, brilliant precision, and a sure storyline that worked, this time I am faced with another dilemma: not only is the present piece more complex (and works just as brilliantly), but it affected me emotionally in unprecedented ways. By the time lights went on for Intermission, I found myself attempting to hold back an unstoppable stream of tears flowing down my cheeks. I did not knew where they came from (and I still do not know for sure, but maybe I get closer by the end of this review and after some meditation). In any case, a seasoned dance and theatre critic does not cry like that.

But first about Ghost Labor.

Commenting on this work is a challenge: Ghost Labor is a 90 minute, multi-disciplinary, multimedia work with a large cast of dancers, musicians and creatives (see the credits at the end). It originated as a 12-minute, award-winning film commissioned by Dance Camera West and choreographed by Vanessa Sanchez (creator, director, choreographer, and dancer) entitled Ghostly Labor: A Dance Film https://vanessasanchez.net/ghostly-labor-film/ . It came together during the pandemic.

The film was a collaborative project with the Bay area organization of migrant women domestic workers, La Colectiva de Mujeres (Women´s Collective), and ALAS (Ayudando a Latinos a Soñar, Helping Latinos to Dream….The acronym alas means wings). ALAS is a farm worker outreach program, while La Colectiva is made up of Latina domestic workers from Northern California, our national breadbasket. Members make up the bulk of invisible (thus ghost-like) workers who keep the U.S. mainstream community nourished and living in comfort.

Over the course of one year, members of La Mezcla interviewed, volunteered, created fund-raisers, and eventually were invited to perform with La Colectiva. The project was filmed on a farm, with the tap and son jarocho dance parts performed on portable wooden platforms. The film is incorporated into the 90-minute dance piece we saw on the Latino Cultural Center mainstage on September 26 and 28, 2024 (I saw it on the 28th, after Yo no estoy loca).

One of the most powerful segments of the live performance is the segment entitled ¨La Convivencia.¨ featuring short clip interviews with actual, migrant domestic worker members of the organization, with a visually striking montage of dancers, the fields, and field workers. Several converging images looped me back to inkblot-like, mesmerizing Rorschach images. Convivencia means a shared, communal living experience, which is what the collaboration between the creative members of La Mezcla and the domestic and field workers was. The song ¨Manos que nos dan lo que produce la tierra…¨ (Hands that give us what the earth produces…) clinches the idea.

The work of La Mezcla (the word mezcla means “the mix” in Spanish) has grown, expanding its repertoire from American tap dance and the Mexican son jarocho (both dances are similar in as far as they use a tap-dancing style) in Pachuquismo. In Ghostly Labor they also incorporate a West African, Afro-Caribbean sound and dance traditions, ones that bend the body forward towards the ground, undulates the hips and the spine, and wears no shoes. If the rhythm still comes from the perfectly synchronized foot work in the tap and son jarocho, the driving energy in the Afro-Caribbean segments comes from percussionist pounding: bare-footed on the floor, by banging the essential clave sticks together in the air, on the floor, and against wooden bucket wash basins. This accompanied by two conga players, shekeres (beaded gourds), and the quijada (a large jawbone instrument), these energetic percussion sound waves pierce and penetrate the entire house, and in my case, ran through me like a tidal wave.

The performers not only danced, they embodied what the piece is about: oppression, resistance, and ultimately pride and joy. Maybe that is where my tears came from out of some primal identification with these sounds. In any case, uniting the histories of colonialisms of the Black and the Brown experiences in the Americas can be identified as the running theme. This was also effectively reflected in the choice of garments worn by the dancers, and by their hair styling (costume design and stylist Ariana Martinez-Cruz). The range went from colorful wide-brimmed skirts to overalls and some headdresses in the Afro Caribbean numbers. There was not an ounce of kitsch in any of this; effective simplicity is the key note in style. Grounded and down to earth. The lighting was subtle but offered broad strokes of color.

Abuses to migrant farm workers in Texas, California, and elsewhere provided the background, but as Sánchez states in a previous interview, this piece is also about the joy of the collective resistance. Thus, this piece weaves the ancestral wounding from all forms of slavery and the violation of personal freedom and dignity, but also celebrates the collective and personal healing of that wounding. And maybe, just maybe, that is what I experienced with the tears that flowed uncontrollably from my soul: both the recognition of the wounding and the visceral and spiritual joy of resistance and liberation.

Thus, Ghostly Labor is not just an artistic elaboration of the invisibility of men and women of color who pull the crops and till the earth so that we can nourish our bodies. It is not just about the invisible, Latina women (some are undocumented cheap labor) who work for wealthier folks as nannies, house keepers, or cooks. The ghosts of past and present abuses in our collective national consciousness are called out, and then danced and healed in sound waves that reach every corner of space and time.

I am an unabashed super fan of La Mezcla. As a performance critic with over 30 years of experience in the US and in Latin American, I can categorically state that their work is unique (as in really and truly there is no other like them). Rare is the only term for their organic and inclusive creative processes. Their pieces develop and grow from collaboration.

The work of La Mezcla ought to be recognized and elevated at every turn, so that maybe, just maybe, more of us can recognize, weep, and heal from our historical, national collective wounding (stemming from socially and politically condoned violation of basic human rights)—and so that more of us will begin or continue to do something about it. Kudos to the Cara Mia team for bringing them back to Dallas!

Cast and Creative Team:

Performers: Argelina Arreola Nuñez, Carlitos Medrano, Casey, Tessier, Christelle Durandy, Diana Aburto Vega, Kirsten Kaye Millan, Micah Sallid, Pedro Gomez, Sandy Vazquez, Tanya Benitez, Vanessa Sanchez.

Creator, Director and Choreographer: Vanessa Sanchez. Musical Director: Ayla Davila Percussionist and Performer: Angel R. Rodriguez, Sr. Percussion Lead: Pedro Gomez Musical Arrangements and Verses by Laura Rebolloso, Ayla Davila, Javier Navarrete, Pedro Gomez, Sinuhé Padilla Isunza, Carlitos Medrano. Artistic and Historical Advisors: Laura Rebolloso, Susana Arenas, Tania Santiago, Jesus Diaz, Pedro Rosales, Juan de Dios Soto, Greg Landau, David Romo, John Jota Leaños. Lighting designer: Max Urruzmendi. Video creator: John Jota Leaños. Costume design and stylist: Ariana Martinez-Cruz. Interviewees: Antonio Castro, Don Ramon Sonoquil Martinez, Lorena Carrillo, Marcella Escamilla, Maria Aguilar, Rocio Avila Garcia, Serafin Avila Garcia.

Teresa Marrero is Professor in the Spanish Department at the University of North Texas. She writes dance and theatre performance reviews for onstagentx.com Among recent publications include https://argus-a.org/archivos-dinamicas/1803-1.pdf in Spanish. She has a forthcoming review of this festival in American Theatre magazine. Teresa.Marrero@unt.edu

En español:

La compañía de teatro Cara Mía de Dallas inauguró su 5.º Festival Internacional Latinidades de 2024 con la obra de danza-cine-teatro titulada Ghost Labor, del grupo predominantemente femenino del área de la Bahía de San Francisco, La Mezcla. Anteriormente, vimos a esta compañía en el tercer festival de Cara Mía en 2022 con Pachuquismo (ver nuestra reseña en https://www.onstagentx.com/reviews/pachuquismo-cara-mia-theatres-latinidades-festival?rq=Pachuquismo ). Si en ese momento escribí sobre los desafíos de reseñar una pieza mayormente no verbal de danza con múltiples estéticas, precisión brillante y una narrativa clara que funcionaba, ahora me enfrento a otro dilema: no sólo la obra actual es más compleja y funciona con igual brillantez, sino que me afectó emocionalmente de una manera sin precedentes. Cuando se encendieron las luces en el intermedio, me encontré intentando contener un flujo incesante de lágrimas que corrían por mis mejillas. Lo más confuso es que no sabía de dónde venían (y aún no lo sé con certeza, aunque quizá me acerque a una respuesta al final de esta reseña y tras cierta meditación). En cualquier caso, un crítico experimentado de danza y teatro no llora porque sí.

Pero primero hablemos de Ghost Labor.

Encapsular esta obra también resulta desafiante porque es un trabajo multidisciplinario y multimedia de 90 minutos, con un elenco numeroso de bailarines, músicos y creativos (ver los créditos arriba). Su primera iteración fue un cortometraje de 12 minutos, galardonado y encargado por Dance Camera West, coreografiado por Vanessa Sánchez (creadora, directora, coreógrafa y bailarina) y titulado Ghostly Labor: A Dance Film (https://vanessasanchez.net/ghostly-labor-film/ ). Se llevó a cabo durante la pandemia.

El filme fue un proyecto colaborativo con la organización de trabajadoras domésticas migrantes del área de la Bahía, La Colectiva de Mujeres, y ALAS (Ayudando a Latinos a Soñar, cuya sigla "alas" significa "wings"). ALAS es un programa de apoyo a trabajadores agrícolas, mientras que La Colectiva está integrada por trabajadoras domésticas latinas del norte de California, la despensa nacional de alimentos estadounidenses. Ambos grupos conforman la mayor parte de los trabajadores invisibles (como fantasmas) que mantienen al mainstream estadounidense alimentado y viviendo cómodamente.

Durante el transcurso de un año, los miembros de La Mezcla realizaron entrevistas, participaron como voluntarios, crearon recaudaciones de fondos y finalmente fueron invitados a actuar con la Colectiva. El proyecto fue filmado en una granja, con partes del zapateado ejecutado en plataformas portátiles de madera. Este filme está incorporado en la pieza de danza-teatro de 90 minutos que vimos en el escenario principal del Latino Cultural Center los días 26 y 28 de septiembre de 2024 (yo lo vi el día 28, después de Yo no estoy loca).

Uno de los segmentos más poderosos de la presentación en vivo fue el titulado ¨La Convivencia.¨ el cual incluye fragmentos de entrevistas con trabajadoras domésticas migrantes de la organización y un impactante montaje visual de bailarines, campos y trabajadores agrícolas. Varias imágenes convergentes me llevaron de vuelta a las imágenes tipo Rorschach, fascinantes y similares a manchas de tinta. “Convivencia” significa una experiencia de vida compartida, y es lo que la colaboración entre los miembros creativos de La Mezcla y las trabajadoras domésticas y agrícolas logró. La canción "Manos que nos dan lo que produce la tierra..." resume la idea.

El trabajo de La Mezcla ha crecido, expandiendo su repertorio del tap estadounidense y el son jarocho mexicano (ambas danzas son similares en tanto utilizan el zapateado) que vimos en Pachuquismo. En Ghostly Labor, también incorporaron sonidos y tradiciones de danza afrocaribeña y del África Occidental, que inclinan el cuerpo hacia el suelo, ondulan caderas y columna vertebral, y se bailan descalzos. Si el ritmo proviene del trabajo de pies perfectamente sincronizado en el tap y el son jarocho, la energía motriz en los segmentos afrocaribeños proviene de la percusión: los pies descalzas sobre el suelo, los palos de clave golpeados en el aire, en el suelo y contra un cubo de lavar de madera. Esto acompañado por dos tocadores de conga, shekeres (calabazas con cuentas) y la quijada (instrumento hecho con un hueso de mandíbula), con oleadas sonoras de percusión que penetraban toda la sala y que, en mi caso, me recorrieron como una marea. Los intérpretes no solo bailaron, sino encarnaron lo que la pieza representa: la opresión, la resistencia y, en última instancia, el orgullo y la alegría. (Ver clip en https://vanessasanchez.net/ghostly-labor/ ). Quizás es ahí de donde vinieron mis lágrimas... alguna identificación primordial con estos sonidos. En cualquier caso, unir las historias de colonialismos de las experiencias Black y Brown en las Américas puede identificarse como el tema principal. Esto también se reflejó de manera efectiva en la elección de vestuario y los peinados de los bailarines (diseño de vestuario y estilismo por Ariana Martínez Cruz). La gama iba desde faldas de ala ancha coloridas hasta monos de trabajo y tocados en el cabello en los números afrocaribeños. No hubo ni una pizca de kitsch en nada de esto; la sencillez efectiva fue la clave en el estilo: sólido y terrenal. La iluminación fue sutil, pero ofreció pinceladas amplias de color.

Los abusos a los trabajadores agrícolas migrantes en Texas, California y otros lugares formaron el trasfondo de la obra, pero como Sánchez mencionó en una entrevista previa, esta pieza también se trata de la alegría, de la resistencia colectiva. Así, esta obra entrelaza la herida ancestral derivada de todas las formas de esclavitud y la violación de la libertad y la dignidad personal, pero también celebra la sanación colectiva y personal de esa herida. Y tal vez, sólo tal vez, eso es lo que experimenté con las lágrimas que brotaron incontrolables desde mi alma: tanto el reconocimiento de la herida como la alegría visceral y espiritual de la resistencia y la liberación.

Así, Ghostly Labor no trata solamente de una elaboración artística sobre la invisibilidad de los hombres y mujeres de color que trabajan la tierra para que podamos nutrirnos. Tampoco es solo sobre las mujeres latinas invisibles (algunas de ellas mano de obra barata e indocumentadas) que las personas más acomodadas contratan como niñeras, empleadas del hogar o cocineras. Los fantasmas de abusos pasados y presentes en nuestra conciencia colectiva son invocados, bailados y sanados en ondas sonoras que alcanzan cada rincón del espacio y del tiempo.

Soy un fan incondicional de La Mezcla. Como crítica de espectáculos con más de 30 años de experiencia en los Estados Unidos y América Latina, puedo afirmar categóricamente que su trabajo es único (realmente no hay otro como ellas). Poco común es la práctica orgánica e inclusiva de sus procesos creativos. Sus piezas se desarrollan y crecen desde la colaboración. El trabajo de La Mezcla debe ser reconocido y elevado a cada paso… para que tal vez más de nosotros podamos reconocer, llorar y sanar nuestras heridas históricas y colectivas nacionales que provienen de abusos social y políticamente tolerados contra los derechos humanos básicos… y, lo más importante, seguimos haciendo algo al respecto.

¡Felicitaciones al equipo de Cara Mía por traerlos de vuelta a Dallas!.